STUDIO ANIA MARTCHENKO

The MOP Foundation
А Coruña, Spain

20.06.2026-20.09.2026

Doubts, the major exhibition that the MOP Foundation is dedicating to Paolo Roversi, is open until 20 September 2026. The exhibition, which brings together iconic masterworks and previously unseen images, offers an intimate journey through his career whilst celebrating his decisive influence on the language of fashion photography.

Over four decades, Paolo Roversi has forged a photographic language that is entirely his own. He has an almost uncanny ability to extend the life of his images. As the critic Vince Aletti has said ‘many of Paolo’s best pictures appear to come together before our eyes… his work is so vibrant that it can’t be confined to the page or the wall’.
Roversi has chosen the title Doubts for his MOP Foundation exhibition because for him doubt is ‘the open door to creativity and imagination whereas certainty closes that door.’ Doubts brings together many of the characteristic elements of Paolo’s approach including his abiding fascination with the experimental possibilities of Polaroid.
With Doubts, the MOP Centre’s building has been transformed into a network of interconnected sections, each expressing a different aspect of Roversi’s aesthetic: Theatre, Appearances, Shadows, Doubts, People, Presence, Grace, Beauty and Fading.

Taken together, they illustrate the dizzying breadth of Roversi’s technical mastery as well as the singularity of his vision and his almost religious conviction that beauty is to be found in silence, in the shadows and the spaces between things.

Doubts, la grande exposition que la Fondation MOP consacre à Paolo Roversi, est ouverte jusqu’au 20 septembre 2026. Réunissant des œuvres emblématiques et des images inédites, l’exposition propose un parcours intime à travers sa carrière, tout en célébrant son influence décisive sur le langage de la photographie de mode.

Depuis plus de quatre décennies, Paolo Roversi a développé un langage photographique qui lui est entièrement propre. Il possède une capacité presque troublante à prolonger la vie de ses images. Comme l’a écrit le critique Vince Aletti : « nombre des meilleures photographies de Paolo semblent naître sous nos yeux… son travail est si vivant qu’il ne peut être contenu dans une page ou sur un mur ».

Roversi a choisi le titre Doubts pour cette exposition à la Fondation MOP, car, pour lui, le doute est « la porte ouverte à la créativité et à l’imagination, tandis que la certitude ferme cette porte ».
Doubts réunit de nombreux éléments caractéristiques de sa démarche, notamment sa fascination constante pour les possibilités expérimentales du Polaroid.
Avec Doubts, le bâtiment du MOP Centre est transformé en un réseau d’espaces interconnectés, chacun exprimant un aspect différent de l’esthétique de Roversi : Theatre, Appearances, Shadows, Doubts, People, Presence, Grace, Beauty et Fading.

Ensemble, ces espaces révèlent l’étendue vertigineuse de sa maîtrise technique, mais aussi la singularité de son regard et sa conviction presque religieuse que la beauté se trouve dans le silence, les ombres et les espaces entre les choses.

GALLERIA PAOLO ROVERSI

MAR, Ravenna Art Museum, Italy

The Paolo Roversi Gallery is a permanent space dedicated to the Ravenna-born photographer and his distinctive vision of contemporary fashion and portrait photography.

Inspired by Roversi’s studio, the gallery creates an immersive environment of light, shadow and material, bringing together iconic portraits, fashion photography and still lifes. His analogue images and long exposures emerge from darkness and dissolve into light, creating a suspended, timeless atmosphere.
The project draws on Ravenna’s Byzantine mosaics, where light becomes a means of constructing and transforming the image. The gallery translates this poetic language into a theatrical spatial experience, guiding visitors through subtle shifts of light, perception and time.

La Galerie Paolo Roversi est un espace permanent dédié au photographe originaire de Ravenne et à sa vision singulière de la photographie de mode et de portrait.

Inspirée de l’atelier de Roversi, la galerie crée un environnement immersif de lumière, d’ombre et de matière, réunissant portraits iconiques, photographies de mode et natures mortes. Ses images argentiques et ses longs temps de pose émergent de l’obscurité et se dissolvent dans la lumière, créant une atmosphère suspendue et intemporelle.
Le projet s’inspire des mosaïques byzantines de Ravenne, où la lumière construit et transforme l’image. La galerie transpose ce langage poétique dans une expérience spatiale théâtrale, guidant le visiteur à travers de subtils changements de lumière, de perception et de temps.

MARTIN MARGIELA
1989-2009
WOMEN COLLECTIONS

BY ART MATTERS 
Hangzhou China

01.10.2025-01.02.2025

From 1 October 2025 to 1 February 2026, the exhibition Martin Margiela 1989–2009. The Women’s Collections will be presented at OōEli Space (Building 6) in Hangzhou. It is the first major retrospective dedicated to Martin Margiela ever shown in Asia.
Organised by BY ART MATTERS Museum and B1OCK in collaboration with the Palais Galliera – Fashion Museum of Paris, Paris Musées, the exhibition brings together more than 130 silhouettes, fashion archives, runway videos, and several specially conceived installations.

Covering two decades of creation, from Spring–Summer 1989 to Spring–Summer 2009, the exhibition highlights the work of a designer who challenged both the structure of garments and the conventions of the fashion system. It offers a rare and in-depth perspective on the unique and deliberately enigmatic influence of Martin Margiela on contemporary fashion.

Alongside the main exhibition, B1OCK presents a dedicated section on its first floor showcasing archival pieces from Chinese collectors and admirers of Margiela’s work. Gathered through an open call, these contributions reflect the commitment, discernment, and personal vision of a passionate community.
This parallel presentation offers an intimate insight into the ways Margiela’s creations have been preserved, cherished, and reinterpreted in China.

Présentée du 1er octobre 2025 au 1er février 2026 au sein du OōEli Space (Bâtiment 6), l’exposition Martin Margiela 1989–2009. The Women’s Collections constitue la première rétrospective d’envergure consacrée à Martin Margiela en Asie.
Organisé par BY ART MATTERS Museum et B1OCK, en collaboration avec le Palais Galliera – Musée de la Mode de Paris, Paris Musées, ce projet réunit plus de 130 silhouettes, des archives, des vidéos de défilés ainsi que plusieurs installations spécialement conçues pour l’occasion.

Retraçant vingt années de création, de la collection Printemps–Été 1989 à Printemps–Été 2009, l’exposition met en lumière l’œuvre d’un créateur qui a interrogé aussi bien la structure du vêtement que les mécanismes du système de la mode. Elle propose un regard approfondi sur l’influence singulière et volontairement énigmatique de Martin Margiela dans le paysage contemporain.

Dans le prolongement de l’exposition principale, B1OCK déploie au premier étage une section dédiée aux archives privées de collectionneurs et admirateurs chinois du travail de Margiela. Issues d’un appel à contributions, ces pièces témoignent de l’engagement, de la sensibilité et du regard affûté de cette communauté autour du travail du créateur.
Cette présentation parallèle offre une perspective intime sur les manières dont les créations de Margiela ont été préservées, transmises et réinterprétées en Chine.

MARTIN MARGIELA
FAN ROOM 4

Installation
B1OCK Store, Hangzhou, CN

01.10.2025-01.02.2025

As part of Martin Margiela: 1989–2009: The Women’s Collections at BY ART MATTERS, organised in collaboration with Palais Galliera, B10CK presented a dedicated section featuring archival pieces collected through an open call.

Dans le cadre de l’exposition Martin Margiela : 1989–2009 : The Women’s Collections à BY ART MATTERS, organisée en collaboration avec le Palais Galliera, B10CK a présenté une section dédiée aux pièces d’archives réunies à travers un appel à contributions.

CATWALK:
The Art of the Fashion Show

VITRA Design Museum
Weil-am-Rhein, Germany

18.10.2025-15.02.2025

For Catwalk, the exhibition scenography uses the historical timeline of the fashion show as a spatial and conceptual tool. Rather than illustrating history chronologically, the project adopts the design principles of the catwalk itself — borrowing its languages, constraints, and production logics to generate a sequence of distinct yet connected environments.

Each room reconstructs a specific mode of presentation, alternating between contextual reconstructions, abstract forms, trompe-oeils and ready-made elements. Moving through the exhibition, visitors encounter a succession of spatial experiences that echo the changing conditions of fashion shows: intimate salons, experimental settings, media-driven spectacles, and large-scale productions, using equipment and atmospheres appropriate to each period. 
The scenography uses recycled materials from runway sets provided by Spazio Meta / Milano to reveal the material afterlife of the fashion show and question its cycles of overproduction.
Throughout the exhibition, the scenography reveals not only garments, but the technical, spatial and cultural mechanisms that shape the fashion show as a performative system.


Pour Catwalk, la scénographie de l’exposition utilise la chronologie du défilé de mode comme un outil spatial et conceptuel. Plutôt que d’illustrer l’histoire de manière linéaire, le projet adopte les principes mêmes du défilé — ses langages, ses contraintes et ses logiques de production — afin de générer une succession d’environnements distincts mais interconnectés.
Chaque salle reconstruit un mode de présentation spécifique, alternant entre reconstitutions contextuelles, formes abstraites, trompe-l’œil et éléments de ready-made. En parcourant l’exposition, les visiteurs traversent une série d’expériences spatiales qui font écho à l’évolution des conditions du défilé de mode : salons intimistes, dispositifs expérimentaux, spectacles médiatisés et productions à grande échelle, en mobilisant des équipements et des atmosphères propres à chaque période.
La scénographie intègre également des matériaux recyclés issus de décors de défilés, fournis par Spazio Meta / Milan, afin de révéler l’après-vie matérielle du défilé et d’interroger ses cycles de surproduction.
Tout au long de l’exposition, la scénographie ne se limite pas à la présentation des vêtements, mais met en lumière les mécanismes techniques, spatiaux et culturels qui façonnent le défilé de mode en tant que dispositif performatif.

PAOLO ROVERSI

Palais Galliera
Paris Musées

16/03/2024 — 14/07/2024

The exhibition Paolo Roversi at the Palais Galliera showcases 50 years of photography, revealing how the artist has embraced fashion to create a unique body of work. This is the first monograph dedicated to the photographer in Paris.

Based on the artist’s working method, his vision was transposed into the scenography installed at the Palais Galliera to recreate the atmosphere of Paolo Roversi’s studio while respecting and enhancing the venue.
To achieve coherence with the work presented, I focused on the concept of "off-screen," using trompe-l’œil physical installations such as a false window and a false door, replicating recognizable architectural elements of the Palais while altering the mental geography of the space.
On a technical level, the challenges involved the preservation of photographic works such as Polaroids, requiring appropriate lighting, as well as the design of wall structures ensuring four-point hanging on stretched surfaces, along with sealed display cases and frames.
From an environmental perspective, the choice of construction techniques based on stretched frames allowed for an increased display area without requiring large amounts of wood panels. Naturally, this approach demanded meticulous attention and precision during the design phase to ensure the mandatory four-point hanging.
Additionally, the reuse of elements from previous exhibitions (including their storage) and collaboration with the scenographer of the subsequent exhibition to recover materials were integral to the eco-design ethics of this project.


L’exposition Paolo Roversi au Palais Galliera dévoile 50 ans de photographies, et révèle comment l’artiste s’est emparé de la mode pour créer une œuvre unique. Il s’agit de la première monographie consacrée au photographe à Paris.

Partant de la méthode de travail de l’artiste, sa vision a été transposée sur la scénographie installée au Palais Galliera, de façon à reproduire l’atmosphére de travail du studio de Paolo Roversi, tout en respectant le lieu, en le rendant visible et mis en valeur.
Pour retrouver de la cohérence avec le travail presenté je travaillais sur la notion du hors-champ, en utilisant les installations lumineuses en trompe-l’oeil physique, tel que fausse fenetre, fausse porte, en reproduisant des éléments reconaissables de l’architecture du Palais, en modifiant la géographie mentale du lieu.
Au niveau technique, les enjeux portaient sur la conservation des oeuvres photographiques telles que les Polaroids, avec un eclairage adequat; ainsi que la conception de la structure des cimaises assurant l’accrochage 4 points sur des parois tendus, et des vitrines et les encadrements scellés.
Au niveau environnemental, le choix de la technique de construction axé sur les chassis tendus a permi d’augmenter la surface de la presentaiton sans apport de grande quantité de panneaux de bois. Naturellement ce choix a necessité une vigilance et precision dans la conception, afin d’assurer l’accrochage obligatoire par 4 points.
Egalement, la reutilisation des éléments des expositions précédentes (y compris leur stockage), ainsi que la cooperation avec la scenographe de l’exposition suivante pour la recuperation des éléments pour font partie de l’etique eco-conception de ce projet.

THE FIRST EXHIBITION — 
20 Years of Contemporary Fashion Evolution

ITS Arcademy
Trieste, Italy

18.04.2023-04.02.2024

The First Exhibition – 20 Years of Contemporary Fashion Evolution traces two decades of contemporary fashion through the unique archive of ITS Contest, curated by renowned fashion historian Olivier Saillard, former Director of the Palais Galliera.

The exhibition brings together early works by designers who have since become major names, including Demna, Matthieu Blazy, Richard Quinn and Nicolas Di Felice. These pieces predate their commercial careers, revealing their raw, experimental beginnings.
Over 100 works — garments, accessories, jewellery, photographs and portfolios — are presented across six artistic themes: Expressionists, Neo Futurists, Lyrical Abstractions, Art Brut, Free Figuration and Self-Portrait.

ITS Arcademy is Italy’s first museum dedicated entirely to contemporary fashion. Its permanent collection, built over 20 editions of ITS Contest, preserves the early work of some of the most influential emerging designers and continues to grow.


The First Exhibition – 20 Years of Contemporary Fashion Evolution retrace deux décennies de création à travers l’archive unique de l’ITS Contest, sous le commissariat d’Olivier Saillard, historien de la mode et ancien directeur du Palais Galliera.

L’exposition présente les premières œuvres de créateurs devenus aujourd’hui des figures majeures de la mode, parmi lesquels Demna, Matthieu Blazy, Richard Quinn et Nicolas Di Felice. Ces créations, antérieures à leur carrière commerciale, témoignent de leurs débuts bruts et expérimentaux.
Plus de 100 œuvres — vêtements, accessoires, bijoux, photographies et portfolios — sont présentées autour de six grands thèmes artistiques.

ITS Arcademy est le premier musée italien entièrement consacré à la mode contemporaine. Sa collection permanente, constituée au fil des 20 éditions de l’ITS Contest, conserve les premières œuvres de nombreux créateurs internationaux et continue de s’enrichir.

MAN RAY AND FASHION

MOMU Fashion Museum of Antwerp

For this exhibition, the goal was to combine a chronological and thematic approach to the layout, with the intention of immersing the public in the artist’s work and legacy while demonstrating his influence on contemporary Belgian fashion.

The exhibition featured photographs, garments from the first half of the 20th century and contemporary designers, objects, sculptures, as well as videos and contemporary art pieces.

The aesthetic distinctiveness of this exhibition lay in the use of trompe-l’œil techniques that mimicked the presence of light and shadows. These were created using enlarged photographs of shadows produced with models, aligning with the aesthetics and working methods of Man Ray and his surrealist vision.
Priority was given to managing sightlines and vistas, working on perspectives in the layout to break the monotony of the long, narrow hall.
Gently curved walls were proposed, both for their spatial qualities and as a structural solution providing self-support while reducing the amount of material required.
This exhibition was realized using 80% recycled materials from the previous exhibition, including existing plinths and platforms, wooden panels, and glass panels.

Pour cette exposition il s’agissait de conjuguer l’approche à la fois chronologique et thematique du parcours, avec l’intention de faire rentrer le public dans le travail et l’heritage de l’artiste, et de demontrer ses influences sur la mode contemporaine belge.
L’exposition presentait à la fois des photos, des vetements de la première moitié de XX sc et ceux des designeurs contemporains, des objets, des sculptures, ainsi que des vidéos et des pièces d’art contemporain.
La particularité esthetique de cette exposition est dans l’utilisation de trompe-l’oeils, imitant la présence de la lumière et des ombres, crées à l’aide de photographies agrandies des ombres produites à l’aide des maquettes, pour respecter l’esthetique et la methode de travail de Man Ray, en accord avec sa vision surréaliste.
La priorté a été donnée à la géstion des vues et des perçées, le travail sur des perspectives dans l’implantation, visant à casser la monotonie de la salle tout en longueur.
Des cimaises aux courbes douces ont été proposées, à la fois pour leur qualités spatiales, mais aussi comme une solution structurelle permettant à obtenir de l’autoportance tout en allégeant la quantité de la matière requise.
Cette exposition a été realisée avec 80% des materiaux recyclées de l’exposition precedente, notamment les socles et plateformes existantes ,des panneaux de bois, et des paneaux de verre.

MARTIN MARGIELA in LMOA

Lotte Museum of Art / Seoul, Corée

12/2022 - 03/2023

The LOTTE Museum of Art presents Martin Margiela at LOTTE Museum of Art, a deep dive into the groundbreaking visual art of Martin Margiela (b. 1957), an artist known for challenging conventions since the 1980s.

Featuring over 50 works, the exhibition explores Margiela’s reflections on art, material, the body, gender, time, and audience interaction. Expanding beyond his Maison Martin Margiela days, the show transforms his experimental runway concepts into boundary-pushing visual art. The museum space becomes a platform for rethinking formats, blending and transforming mediums, and fostering alternative perspectives.

The exhibition incorporates trompe l'œil illusions, a reimagined layout, and multi-medium works like Deodorant (2022), Top Coat (2011), and Dust Cover (2021), which probe beauty, absence, and traces of existence. Vertical blinds create a labyrinthine flow, encouraging focus and reflection.

Margiela’s work, though echoing his fashion legacy, stands as a distinct visual culture, redefining artistic conventions. 

MARTIN MARGIELA in MWOODS

M WOODS Hutong, Beijing, China

08/2022 - 12/2022 

For his first solo exhibition in Asia, M WOODS presents internationally renowned artist and former fashion designer Martin Margiela, showcasing new and commissioned installations, sculptures, performances, collages, paintings, and films.

Organized in collaboration with Lafayette Anticipations, Fondation d’entreprise Galeries Lafayette, Paris—where Margiela held his first solo exhibition in 2021—the exhibition is curated by Victor Wang, M WOODS Artistic Director, and Rebecca Lamarche-Vadel, Lafayette Anticipations Director. Featuring over 50 new works, it includes interactive performances and site-specific installations.

Developed over a year in close dialogue with Margiela, the exhibition explores themes of art, material, the body, time, gender, and audience participation—concepts central to his practice since the 1980s. Margiela’s transition from fashion to art continues his tradition of challenging conventions and creating spaces for alternative thinking and artistic intervention.