ANIA MARTCHENKO

PAOLO ROVERSI
Palais Galliera Musée de la mode
Paris Musées

16/03/2024 — 14/07/2024

L’exposition Paolo Roversi au Palais Galliera dévoile 50 ans de photographies, et révèle comment l’artiste s’est emparé de la mode pour créer une œuvre unique. Il s’agit de la première monographie consacrée au photographe à Paris.

Partant de la méthode de travail de l’artiste, sa vision a été transposée sur la scénographie installée au Palais Galliera, de façon à reproduire l’atmosphére de travail du studio de Paolo Roversi, tout en respectant le lieu, en le rendant visible et mis en valeur.
Pour retrouver de la cohérence avec le travail presenté je travaillais sur la notion du hors-champ, en utilisant les installations lumineuses en trompe-l’oeil physique, tel que fausse fenetre, fausse porte, en reproduisant des éléments reconaissables de l’architecture du Palais, en modifiant la géographie mentale du lieu.
Au niveau technique, les enjeux portaient sur la conservation des oeuvres photographiques telles que les Polaroids, avec un eclairage adequat; ainsi que la conception de la structure des cimaises assurant l’accrochage 4 points sur des parois tendus, et des vitrines et les encadrements scellés.
Au niveau environnemental, le choix de la technique de construction axé sur les chassis tendus a permi d’augmenter la surface de la presentaiton sans apport de grande quantité de panneaux de bois. Naturellement ce choix a necessité une vigilance et precision dans la conception, afin d’assurer l’accrochage obligatoire par 4 points.
Egalement, la reutilisation des éléments des expositions précédentes (y compris leur stockage), ainsi que la cooperation avec la scenographe de l’exposition suivante pour la recuperation des éléments pour font partie de l’etique eco-conception de ce projet.

The exhibition Paolo Roversi at the Palais Galliera showcases 50 years of photography, revealing how the artist has embraced fashion to create a unique body of work. This is the first monograph dedicated to the photographer in Paris.

Based on the artist’s working method, his vision was transposed into the scenography installed at the Palais Galliera to recreate the atmosphere of Paolo Roversi’s studio while respecting and enhancing the venue.
To achieve coherence with the work presented, I focused on the concept of "off-screen," using trompe-l’œil physical installations such as a false window and a false door, replicating recognizable architectural elements of the Palais while altering the mental geography of the space.
On a technical level, the challenges involved the preservation of photographic works such as Polaroids, requiring appropriate lighting, as well as the design of wall structures ensuring four-point hanging on stretched surfaces, along with sealed display cases and frames.
From an environmental perspective, the choice of construction techniques based on stretched frames allowed for an increased display area without requiring large amounts of wood panels. Naturally, this approach demanded meticulous attention and precision during the design phase to ensure the mandatory four-point hanging.
Additionally, the reuse of elements from previous exhibitions (including their storage) and collaboration with the scenographer of the subsequent exhibition to recover materials were integral to the eco-design ethics of this project.

Scénographie d’exposition

ESSAYAGES

La Traverse, Marseille, France

17–18.02.2024

Ania Martchenko and Antonin Simon Giraudet come together to explore the concepts of bodies and clothing, examining their relationships with memory and construction, as well as their application to space and the resulting reciprocal interactions.

Clothing is considered both a structure and a skin, with physical and semantic dimensions, capable of dressing various bodies and altering their perception. The concept of the dressed body also moves away from anthropomorphism, considering the human body as one possible, but not exclusive, support for clothing.

Ania Martchenko et Antonin Simon Giraudet se réunissent pour explorer les concepts des corps et des vêtements, examinant leurs relations à la mémoire et à la construction, ainsi qu’à leur application à l'espace et les interactions réciproques qui en résultent.

Le vêtement est considéré à la fois comme une structure et une peau, avec des dimensions physiques et sémantiques, capable d'habiller différents corps et d'en modifier la perception. Le concept de corps habillé s'éloigne également de l'anthropomorphisme, considérant le corps humain comme l'un des supports possibles, mais non exclusifs, du vêtement.

MAN RAY AND FASHION

MOMU Fashion Museum of Antwerp

Pour cette exposition il s’agissait de conjuguer l’approche à la fois chronologique et thematique du parcours, avec l’intention de faire rentrer le public dans le travail et l’heritage de l’artiste, et de demontrer ses influences sur la mode contemporaine belge.
L’exposition presentait à la fois des photos, des vetements de la première moitié de XX sc et ceux des designeurs contemporains, des objets, des sculptures, ainsi que des vidéos et des pièces d’art contemporain.
La particularité esthetique de cette exposition est dans l’utilisation de trompe-l’oeils, imitant la présence de la lumière et des ombres, crées à l’aide de photographies agrandies des ombres produites à l’aide des maquettes, pour respecter l’esthetique et la methode de travail de Man Ray, en accord avec sa vision surréaliste.
La priorté a été donnée à la géstion des vues et des perçées, le travail sur des perspectives dans l’implantation, visant à casser la monotonie de la salle tout en longueur.
Des cimaises aux courbes douces ont été proposées, à la fois pour leur qualités spatiales, mais aussi comme une solution structurelle permettant à obtenir de l’autoportance tout en allégeant la quantité de la matière requise.
Cette exposition a été realisée avec 80% des materiaux recyclées de l’exposition precedente, notamment les socles et plateformes existantes ,des panneaux de bois, et des paneaux de verre.


For this exhibition, the goal was to combine a chronological and thematic approach to the layout, with the intention of immersing the public in the artist’s work and legacy while demonstrating his influence on contemporary Belgian fashion.
The exhibition featured photographs, garments from the first half of the 20th century and contemporary designers, objects, sculptures, as well as videos and contemporary art pieces.
The aesthetic distinctiveness of this exhibition lay in the use of trompe-l’œil techniques that mimicked the presence of light and shadows. These were created using enlarged photographs of shadows produced with models, aligning with the aesthetics and working methods of Man Ray and his surrealist vision.
Priority was given to managing sightlines and vistas, working on perspectives in the layout to break the monotony of the long, narrow hall.
Gently curved walls were proposed, both for their spatial qualities and as a structural solution providing self-support while reducing the amount of material required.
This exhibition was realized using 80% recycled materials from the previous exhibition, including existing plinths and platforms, wooden panels, and glass panels.

MARTIN MARGIELA in MWOODS

M WOODS Hutong, Beijing, China

08/2022 - 12/2022 

For his first solo exhibition in Asia, M WOODS presents internationally renowned artist and former fashion designer Martin Margiela, showcasing new and commissioned installations, sculptures, performances, collages, paintings, and films.

Organized in collaboration with Lafayette Anticipations, Fondation d’entreprise Galeries Lafayette, Paris—where Margiela held his first solo exhibition in 2021—the exhibition is curated by Victor Wang, M WOODS Artistic Director, and Rebecca Lamarche-Vadel, Lafayette Anticipations Director. Featuring over 50 new works, it includes interactive performances and site-specific installations.

Developed over a year in close dialogue with Margiela, the exhibition explores themes of art, material, the body, time, gender, and audience participation—concepts central to his practice since the 1980s. Margiela’s transition from fashion to art continues his tradition of challenging conventions and creating spaces for alternative thinking and artistic intervention.

MARTIN MARGIELA in LMOA
Lotte Museum of Art / Seoul, Corée

12/2022 - 03/2023

The LOTTE Museum of Art presents Martin Margiela at LOTTE Museum of Art, a deep dive into the groundbreaking visual art of Martin Margiela (b. 1957), an artist known for challenging conventions since the 1980s.

Featuring over 50 works, the exhibition explores Margiela’s reflections on art, material, the body, gender, time, and audience interaction. Expanding beyond his Maison Martin Margiela days, the show transforms his experimental runway concepts into boundary-pushing visual art. The museum space becomes a platform for rethinking formats, blending and transforming mediums, and fostering alternative perspectives.

The exhibition incorporates trompe l'œil illusions, a reimagined layout, and multi-medium works like Deodorant (2022), Top Coat (2011), and Dust Cover (2021), which probe beauty, absence, and traces of existence. Vertical blinds create a labyrinthine flow, encouraging focus and reflection.

Margiela’s work, though echoing his fashion legacy, stands as a distinct visual culture, redefining artistic conventions. 

P.LACE.S
Looking through Antwerp Lace

MOMU Fashion Museum of Antwerp

09/2021 — 01/2022

L’exposition sur l’histoire de la dentelle, présentée à Anvers dans une galerie contemporaine et des musées historiques, mêlait silhouettes modernes et pièces anciennes. Les supports, inspirés de l’architecture flamande et juxtaposés à des éléments muséaux classiques, soulignaient la dualité entre passé et présent. Une palette de gris réduisait les supports à l’état d’ombres, mettant en valeur les œuvres en lin blanc, tout en respectant les exigences de conservation et l’intégrité des lieux.

UNE HISTOIRE DE LA MODE (ACTE 1)

Palais Galliera Musée de la mode
Paris Musées

2021

La scénographie des galleries permanentes presentait les collections en mettant l’emphase sur l’histoire du musée et des collections, le travail de la conservation et l’histoire des expositions, en integrant de façon respectueuse les lieux uniques des nouvelles galeries .

Les formes des supports de presentations sont inspirées par celles des reserves, classements, stockage et presentation.

COMMANDES TRÈS SPECIALES

JM Weston Aoyama Tokyo

2019

Une exposition dans la galerie-boutique de JMWeston.

L’exposition etait dediée aux savoirs-faire de la maison, integrant des objets trouvés dans l’usine, commes des objets d’art moderne.

Ces amenagements sont reemployés dans les expositions suivantes comme dans les galeries d’art parisiennes.

JM WESTON BOUTIQUE
Aoyama, Tokyo

2019

CHAUSSOEUVRES

2019